绘画散文

绘画散文篇一：《冯骥才：画是一首散文诗》语文阅读答案

冯骥才：画是一首散文诗记者：想不到您这么忙，竟然还有时间画了这么多画，像变魔术似的。您在《戊子之春》画册的扉页上写道：“春天在我易感的心中呼唤出无穷的画意。”请您为我们解读一下这句话的涵义。冯骥才：（笑）我的画可不是变出来的。公益画展的目的很明确：为基金会筹款，支持民间文化保护事业。我作为一介书生，所能做的只有卖掉自己的画，全部捐献出来。捐赠时很壮烈，很激动，像砍掉了自己身体的一部分；捐赠后却心里空荡荡的，产生一种“家徒四壁”的感觉，并开始怀念自己的画。你知道，我不画重复的画，就像再婚一样，永远不会有原来的感觉。（笑）所以画一出手，就很难再复制、克隆了。因为“家徒四壁”，反过来变成一种“要画画”的动力，急于把空白的墙壁填充上。但只有这个动力是不够的，还要有具体的艺术冲动??记者：记得您说过，“人为了看见自己的内心才画画”。那么，您一般是在什么情况下产生作画的冲动和灵感的，怎样在画面上表现自己的心灵和情感世界？冯骥才：绘画的冲动，对我来说是随时随地都可能发生的，有时是一片光、一段音乐，或读一首诗，写一篇散文时。只要有了绘画感觉并有时间作画，我必须马上就画，决不等待，决不遏制。当我在现实生活或幻觉中看见秋天逆光中的一片芦苇，那些光和影马上就变成了笔墨，变成具体的表现手法，这时便可下笔了。这中间是没有过渡的。换句话说，只有把对自然的感受变成具体的绘画语言，我才会产生真正的艺术冲动。我在田野调查中，经常看见车窗外非常独特的风景，但回来画不成画，因为它不是你心灵里的东西，只是一种视觉上的刺激而已。绘画对我而言是一种心灵生活，与我如影相随。这一年来我不断地画，有时只是因为聆听一段钢琴曲。比如我画过一幅《冬日的旋律》，一条黑色的河在雪地中间流过，所有春天的因子都潜藏于冰天雪地中，它是大自然的血液、是最有生命力的旋律。当我找到这个感觉后，那条深邃的河流瞬间变成纸上的笔墨，自然地宣泄出来。正是一首钢琴曲赋予我作画的灵感，这样的画已不可能画第二幅了。记者：美术界评价您的绘画属于“现代文人画”，您认同这一概念吗？如认同，您的“现代文人画”与古代文人画有何异同？冯骥(转 载 于:wWW.ZHaoqT.nEt 蒲 公英文 摘:绘画散文)才：我的画属于“现代文人画”，这个概念是上世纪90年代初，上海画家程十发提出的。他说：“什么是现代文人画？你们去看看大冯的画就知道了。”后来我去日本举办画展，平山郁夫也认为我的画属于现代文人画。我成名于文坛，一般人不知我有一个漫长的丹青生涯。从1961年到1990年，我画了近30年画，其中包括临摹古画，在此过程中基本掌握了传统中国画的技法，有了坚实的宋画基础和线描功夫。我认为中国文人画有四个基本特征：一、直抒胸臆；二、张扬个性；三、将中国画文化化，即文学性；四、创造了一种全新的中国画样式，即将诗、书、画、印熔于一炉。至于我的现代文人画与古代文人画的异同，我认为，我在直抒胸臆、张扬个性和文学性这三方面，均继承了古代文人画的传统；唯一的差异是，古人强调诗与画的结合，我则更强调散文与画的结合。诗是把大千世界的感受凝聚于一点，用最简洁的句子表达出来；绘画是把一个动态的世界变成一个静态的瞬间。在这一点上，诗与画最容易结合。散文是线性的，一句一句不断将意境深化。我希望我的绘画更像散文，更具可叙述性。记者：我觉得您现在的画风与十几年前的激情澎湃相比，似乎更平和、更唯美了，这是为什么呢？冯骥才：上世纪九十年代中期，中国的文化问题较多，我们这一代作家又有很强的社会责任感。我通过文化遗产保护，思考了一些大的文化、社会问题，给自己带来了未曾察觉的变化，即内心境界变化：开阔的思维、开阔的视野、开阔的心灵，绘画自然变得更安静、更安详了。有人说我绘画中的定力特别强，定力来自一个人的信念。我绘画的画幅都很小，但很开阔，与自己内心的视野有关。现在好像什么都不十分在乎了，心境更超然、更坦荡，更宽容了。总之绘画是画家心灵的镜子，画面的纯净折射出心灵的纯净，像经过过滤一样。19．记者从四个方面（角度）对冯骥才进行了深入访谈，请简要概括。（4分）20．冯骥才的画风由“激情澎湃”变为“更平和、唯美”的原因有哪些？请分条概述。（5分）21．尾段说“绘画是画家心灵的镜子，画面的纯净折射出心灵的纯净”，结合全文谈谈绘画和心灵的关系。（6分） 参

考答案：19注意：若学生不是概括形式，酌情扣分。⑴如何解读画册扉页上留言的含义； ⑵如何捕捉和表现绘画的冲动和灵感；⑶如何认识“现代文人画”（或如何认识和阐发美术界的评价）；⑷如何解释现在“平和、唯美”的画风。 20 ⑴有很强的社会责任感，善于思考大的文化、社会问题，思维、视野、心灵开阔，提升了内心境界；⑵有强烈的信念，心境更超然、更坦荡、更宽容，自己的视野纯净、开阔。 21⑴公益画家捐赠的是一颗炽热的心，心灵的闪光是艺术的冲动，艺术的画作正是画家心灵的再现。⑵绘画的灵感来自于对生活的深刻感受，而生活对心灵的震撼激发了绘画创作的强烈欲望。⑶增强信心、感知生活、认识社会、思考责任、提升境界，绘画才有生命力。

绘画散文篇二：美术生励志文章

美术生艺考生自述：那是我吃的苦最多的一年

那年我的艺考，是坎坷中夹杂着心酸，但拼搏之后的结果却是令人激动而欣慰的。 那年是我吃的苦最多的一年。因为我是为了高考才学习美术的，属于临时抱佛脚，所以我的美术功底几乎没有，而且我们所在的班级是大型班级，老师却只顾那几个画得好的。最终我决定用我的努力来改变自己，至少，可以凭借自己的努力让老师注意到我。 那年注定是不平凡的一年，自从学习美术之后，我的生活没有停歇过，每天都是六点多就爬起来去画室画画。然后一坐就是一天，中间会有吃饭时间，但是，我记得非常残酷，吃完饭我们都是跑着回去的。接着，晚上上课到半夜，然后老师会给我们留无数的作业，我们就接着画，有的同学画的快，凌晨三点多就可以去睡了，画的慢的就不得不熬通宵了。

这样的状况持续到统考，我们终于快熬到头了，每个人都胸有成竹地去考了，当然，我们这么长时间的努力并没有白费，在考场上应试自如，最后也获得了比较满意的成绩，这跟背后的汗水和泪水是分不开的。

后来统考完的第二天，我们便又开始了更为艰苦的日子，就是去个别学校单招。那时候我只记得我每天早晨都起很早，摸黑坐车去考试，到考场的时候天才刚亮，然后就进在学教旁边卖点儿早餐，吃着等着考试的开始。到了中午考完了，因为下午还有考试，所以我都是再去学校旁边买点儿吃的，坐在地上吃完了就头趴在腿上眯会儿，等着下午的考试。

记得最难熬的不是面对考试的压力，而是我们每天不断地坚持，我们每一幅画都要画上几千笔，夏天还好，每到冬天手都会裂开来，也不管铅笔灰多么脏，就不停的坚持着，经常能看到我们的画纸上有一点留下的血渍。不过现在想想，当时虽然很心酸但所有的付出都很值!后来成绩下来了，再想想当时考试的经历，一股不知其味的感觉涌了出来。

我只想说，我一路走来，我不后悔。

我是在高二的暑假真正开始接触画画，之前的各种学习班、培训都是培养兴趣的作用，不值一提。高一时我就想学画，但苦于没有一条明路。高二时，很运气，我的同班同学有学画画的，让我有了学画的途径。我就在暑假很高兴地来到了浙江金华的浙江师范大学，跟一位老教授学画。

之后高三我考文化科如我预料成绩不佳，我就专心来学画了。学任何一样东西都一样，领进门的老师是非常重要的。这点在此时显得无比正确。教我的老师有一个特点，教学非常

认真，认真到常人难以想象的地步。于是我的学画历程有了黑色的月份。

好处当然是使我很长一段时间在同样学画的同学中总有居高临下的威风。我还清晰地记得，当时他给我安排的作业总是令我画到凌晨2点，时常还有到4点的，而关键是他第二天早上7点就会来我的画室看作业，吃饭的时间每次都是可怜的15分种。想想吧，每天的休息时间平均只有可怜的4个多小时，你就能体会为什么我会称之为黑色月份了。我的那个学画阶段绝对是痛苦的回忆，简直不堪回首！﹙不过它为我以后为了结果不惜牺牲铺了好垫，我从心底还是感谢它的。﹚我后期在70人的大画室待过。那儿让我开了眼界，让我学到了不少东西，也让我经历失了自信又重拾自信的反复过程。现在回想，那个阶段也是必不可少的。

第一次接触来自西方的素描，心中有的只有惊奇与崇拜：惊异用简单的铅笔能在纸上表现出神态活现的人物，崇拜画家天马行空的创作天才。和大部分同志一样，我也是从素描石膏入手，在无数临摹和写生石膏像之后，我还临过俄罗斯的人体和文艺复兴三大师的头像，接触的面也可谓广。很幸运，高考也不负众望，取得不错的成绩，这与之前的辛勤耕耘是分不开的。勤奋归勤奋，最终是看效果的。这点我想和我一样想考个好学校的同学都是非常清楚的。我个人认为，我的学画历程实在太过艰辛，太过疲惫，我并不是属于笨的人，不该如此的。左思右想，我得出结论：我的学习方法出了问题。

我在很长的学画时间内，总是照抄明暗，不论写生还是临摹，而且抄得很小心，( 这与我的性格密切相关，也与老师教学强调的着重点有关 )不放过一丝一毫。画得一模一样就是好的作品，我很长时间就是这么认为的。我以为我早走出了这个误区，但我发现，近期的画，还是一样地照抄明暗，只不过对明暗层次的分辨率提高了，能把很细微的灰面和很小很小的细节抄出来罢了。我对结构的理解仍然肤浅，仍然不值一提。翻出以前的学习作业，每一张在现在看来，都是可以马上进垃圾堆的。虽然在当时认为是无可挑剔的惊世之作。在后期临摩的人体画上，我发现，比例差得不是一点，而是差很多；在后期临的头像上，我发现，骨骼一点不对。虽然当时我是那么自信??。

我后来知道美术的教育是一个潜移默化的漫长过程，急是急不来的。但我也发现了，我一直那么自信的对结构、体块的理解是多么的肤浅，多么的软弱无力。画面上全是一组组排线，一片片灰色调，根本就没有体块，没有结构。从没有体块意识到有体块意识，这是个很漫长的过程。我推荐美国vilppu的《经典人体素描精细示范》教学光盘，因为他的方法对初学美术的学生来说，是一条捷径，可以大大缩短这个过程。而且不明白的地方可以反复的学习，如果我一开始学习素描就受到这位国际级老师的指导，会节省我几年的摸索。在这套光盘指导下，我经历了1个月的学习和训练，很幸运，基本上逐个解决了。诸如：

1.多样化的素描如何取舍？取舍的经历与结果。

素描有很多种，我们现在的情况，是规定一种具有浓重排他性的素描—油画素描为蓝本，为正统。其他画种类似邪门歪道，是完全不受重视的，是躲在无人关注的角落，任凭风吹雨打。这种现状对我们基本训练的实践中是有害的。其实任何东西都一样，有了比较才有好坏之分，我们如果是想走正途的话，就无可回避多样画种。但假如是单纯应付考试的话，就另当别论了。和大家一样，我学的也是油画素描，在学的过程中接触到过很多其他画种，对其他各门各类的画种也有一些了解。为了应付考试，我关注油画素描多于其他种类的素描。

2.考试该追求 “个性”。

考试不是在进行自我创作，要充分考虑考试的要求，是虎也得卧着。这是大家都知道的常识。但是我今天讲的“个性”并不是以上的“个性”。大家都知道批卷的程序，试卷一排排地摆在地上，评分老师的眼睛和我们的眼睛一样，也是会眼花燎乱的。谁的试卷能第一时间引起批卷老师的好印象，划入高分档，谁就得到了很大的优势。因为在高分档后，就不可能低于高分档的最低分。所以我们的试卷在试卷堆中必须抢眼，必须能第一时间引起老师的

好印象。所以大效果必须好。素描是靠明暗拉开对比、表现对象的，对比不强就不抢眼，这是也是常识，所以明暗对比必须强；再一个就是体块感强。这是对考试而言的，并不全面。我所谓的“个性”就是如此。所以我认为，考试该追求“个性”。

3.对线与明暗的反复取舍。

线是从形体中提炼出来的，线高于明暗。这个意识在我的脑中统治了很久。我也曾很长一段时间在追求线条，追求线条韵律的优美与超凡的表现力。反复多次之后，我终于明白：能更好表现自我意识和对象的方法就是好方法，他们没有优劣之分。明暗的作用是表现体块，表现空间的，符合素描的精义。谁能说出安格尔和米开朗基罗谁高谁低？谁也不能，因为他们没有高低之分。你能批评米开朗基罗没线条吗，你能责怪安格尔没体块吗？他们用的表现的方式方法不一样，但却同样做出了令人叹服、永垂不朽的作品。他们是成功的。这就够了。所以我说，不必拘泥于技法。

4.对“形准”的正确理解。

何为“形准”？把对象的形体抄得相似是形准吗？不是。我曾很长一段时间误入此歧途。“形”，应该是指确有感触的形。把对象的特征、气质、感觉抓住了，才是形准。“形”指的是感觉形，符合对象特征、气质又符合本人面对对象的感觉的形。

5.把素描放在哲学思考的角度背景之下进行。

把素描放在哲学思考的角度背景之下进行，同时这样的哲学思考又不离开人及视觉本身，使整个素描学习具有人文学术的气氛，提高对学习本身的兴趣。《周易》上讲到：“一阴一阳谓之道”，哲学初级的思考包括对“对立统一”，“明暗”，“虚实”，“画面中的构成”等的思考与理解。

6.视觉形象从画面中到在人眼中形成影象，画面上的结构、对比、空间等画面效果会无可质疑地减弱。这就是信息在传递过程中无法避免的损耗。

这牵扯到作品在创作时的外部环境、创作材料和在作为成品展出时的外部环境。就要我们充分考虑各种因素，熟练控制住画面，控制画面效果的程度。这种能力不是短时间能练出来的，这种能力的训练，对初学者来说，要求是有点高。可以适当追求一下。对于高手来说，这是很关键的，必须熟练把握材料的特性，才能创造出好作品。

7.最大程度表现工具与材料自身美感，当然离不开对双手潜力的开发。

工具与材料自身美感，指的是肌理效果；手作为我们艺术沟通的主要媒介，一定要很灵活。手不灵活，是绝对画不好画的。灵活的手能准确表达作者心中的创作意图。我的意见是：时常在空闲时间锻炼手的活动能力和灵敏程度。这不用花多少时间就能做到，而做到就一生受益，属于“低投入高产出”的好方法。

8.积极发掘和培养想象力，艺术是不断创新的。

艺术与普通科目不同，它的特征是要不断打破旧的观念，去开创新天地，是需要不断创新的；而普通科目是要严格遵守原有的意识，原有的规则，是需要不断去完善它的。想象力对于普通科目，可以说是一场灾难，但想象力对于艺术，就如翅膀对于飞鸟，它在艺术中的重要性从这个比喻中可见一斑。

9.须真诚地面对艺术，艺术是要用情感作为支撑的。

艺术是情感基于形式的表达。①按照马克思主义的艺术理论，艺术作品是一定社会生活在艺术家头脑中反映的产物，是观念形态的东西，与真实的生活有别。艺术创作绝非单纯的无意识活动，在将现实素材转化为艺术内容时，要经过艺术家筛选、提炼、概括、集中，正是在这个时候，注入了他对生活的认识、评价和期望，渗透了他强烈的感情。这里所谓的形式，就是作品内容的存在方式，包括内容的内部结构；形象外观，二者总是结合在一起的。素描是绘画艺术的基础课程，但它不是板起面孔来作的，它需要人们情感的投入，真诚地热爱，纯正的品味，才能放出智慧的光芒，才能在同一个问题上取得一个更高的角度，才

能触摸到艺术的灵魂。

10.树立坚固自信，戒娇戒躁，勤耕不辍，天道酬勤，定然成功！

很幸运，我最初学画的画室只有5个学生，而我一直都是画得最好的。无数次的作业，我总是最强，我的绘画意识，作画时间也是最好。这种情况一直持续了很久，在我的潜意识里，就形成了：我本来就是最好的，我就应该是最好的，这种坚固不摧的强烈意识。有点类似井底之蛙的思想，但它却令我一直很努力，所以之后在70人的大画室，我也是顶尖的。它促使我不断向最好靠拢。所以我认为自信是一个人能成功的最基本条件。

11.“想”与“画”。

画画也是要动脑的，需要很多思考，我认为学画的过程中“想”与“画”的关系有三个阶段。一，多多画，多想；二，多多画，多多想；三，多画，多多想。“想”在这个过程中占有越来越重要的位置。在第一阶段，基本上只是手的任务，训练手熟练地把想表现的对象表现出来。因为没有一定的绘画经验积累，就没有想的基础，而且那个“多想”也只是在技法层面上的；第二阶段，已经有了初步表现对象的基础，也有了在专业上进行思辩的能力，但是毕竟还是不够的，这时需要反覆地画，反覆地想；第三阶段，已经具有了熟练表现对象的基础，但在意识形态上，还跟不上，在这个时候，“想”比“画”更重要了。所以多多想，多画。

学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。

素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。素描作为基础训练，并不枯燥，希望有更多的人喜欢素描，练好素描的能力，通过素描为今后的艺术创作做好更多的准备。

由于本人现在只是大一的本科学生，学识非常有限，接触艺术的时间毕竟短暂，对素描的理解仅到此处。尽力做了，无愧于心。希望各位老师同学多多指教。

绘画散文篇三：图画文章

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